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Recurrente, un grave error


Según la RAE (Real Academia Espñola) la palabra "recurrente" lo define como algo que vuelve a ocurrir o a aparecer, que se repite. Ser recurrente en el campo del diseño no está bien visto. Continuamente se dice que se debe ser original, que lo que hayas creado en ese momento no se haya visto antes, o mostrar "lo mismo" pero de una manera diferente. Pero lo cierto es que la originalidad se basa de algo ya conocido; siempre un basamento debe tener para re-crearse y ser a la vez algo nuevo; por ejemplo se puede ser original en crear un nuevo diseño de silla, pero esa silla ya está inventada, lo original tiene el basamento de que ese elemento ya está creado de antemano; es una "silla" y por lo tanto no tiene nada de original.

Hace un tiempo caminando por el centro de mi ciudad, percibí algo llamativo, que 3 negocios (y uno más fuera del centro comercial, en total 4) se llamaban "Lola"; con este nombre, muchos ya se darán cuenta a que se dedica el negocio que estoy haciendo mención, no hace falta ser demasiados inteligentes para saber que venden ropa femenina. Y a eso es lo que voy, lo recurrente en este nombre es que ya está muy usado y pierde la fuerza de marca que necesita, ya no importa lo visual en este caso, sino lo que comunica la palabra en sí: erotismo, femenina, delicada, etc etc; pero ya está todo hechado a perder en usar ese nombre si otro negocio ya lo utilizó antes. Como dije antes, el recurso gráfico: el color, el tamaño, con serif sin serif y con iso o sin iso es sólo un detalle para maquillar algo que no sirve como un verdadero nombre.

Esta publicación me surgió al notar estos 4 negocios, no se si debe haber más que se hagan llamar con ese nombre, en verdad no soy de andar patiando mucho las calles, pero con 4 negocios con el mismo nombre me sobra. Llamarse "Lola" y vender ropa femenina es tan poco original como poner "Coiffeur" en vez de peluquería, tan sólo para darle ese estilo de elite o de calidad francesa. Resulta ser que muchos nombres ya están muy utilizados y no nos comunica nada porque son ordinarios como el ejemplo de poner el nombre del dueño (Carnicería Marcos, si el que atiende se llama Marcos).

Pensar un nombre para un producto, un servicio o algún comercio o lo que fuese, no resulta fácil; muchas veces el nombre que se nos ocurre ya está utilizado por otro negocio y eso no nos sirve, sino que debemos ser únicos. Por eso, se debe poner total esfuerza desde un comienzo, en optar por un buen nombre que los identifique de verdad, buscar cuales son los potenciales que tiene ese producto y darle el nombre adecuado para que no pierda su "originalidad" y si ese nombre ya está, seguir pensando.

Las cosas en su justa medida


Hace un tiempo hablé sobre los carteles que están en la vía pública (acá pueden leer la publicación). Que hay veces que es exagerada y otra veces dificulta la visión tanto de los transeúntes como los que están circulando por la calle.


Pero imagínense por un momento la nula publicidad, aviso comercial o cartel indentificatorio del comercio; seré bueno y dejemos por ahora las señales de tránsito y señalización de calles y avenidas. ¿Cómo seria eso, pueden llegar a imaginárselo? supongo que como yo; se imaginan los negocios todo en blanco sin cartel alguno, puede que algunos negocios estén pintados de colores diferentes para llamar la atención, parecido a lo que pasa en las casas de la Boca en Buenos Aires.
Uno no sabría a que negocio comprar sin ingresar antes y preguntar "acá venden helados o es una panadería" y la persona contestaría "no señor, acá vendemos zapatos".

Esto no es una contradicción al texto que señale al comienzo, pero la exageración de las cosas, como la nula publicidad o la máxima publicidad no son buenas en ninguno de los dos casos, hay un dicho que dice "las cosas en su justa medida" y esto se aplica justo a esta situación; sobrepasar los limites sería algo que molestaría mucho a los receptores y hay que tenerlo en cuenta.

Dando un ejemplo claro de la exageración visual, voy a citar algo que me pasa mucho a mi y de seguro a ustedes también; cuando entro a un negocio, donde en un mostrador hay casi una infinidad de productos con sus variados colores y tamaños, me pasa que no encuentro nada; si esta acción la vemos desde unos pasos más atrás la confusión se torna mucho más compleja y en ese caso es necesario acercarse para distinguir en medio de un campo de productos camuflados lo que realmente queremos comprar. Por mi parte, esto me resulta un poco molesto, porque no me gusta estar demasiado tiempo haciéndole "perder" el tiempo a la bonita kiosquera y hacerme perder tiempo a mi por una simple golosina que se me antojó en ese momento.

Trato de hacer memoria y por la fuerza no puedo recordar algún momento en donde la nula comunicación visual haya estado presente. Mientras termino esa frase, recuerdo que sólo me ha pasado una vez cuando salí de un subte y todavía abajo no podíamos encontrar la salida, estuvimos dando vuelta un buen rato y por casualidad encontramos a un policía; en ese momento no se había bajado nadie del subte por lo que la masa no nos guió hacia la luz. En ese caso fue un error comunicación bastante grave, imaginense en caso de incendio.... puf por suerte no pasó nada pero en ese supuesto caso las cosas se hubiesen puesto muy feas y sólo por no colocar un cartel que diga "SALIDA" y con algunas flechas de señalización.

En tales casos, como bien digo de antemano son extremos pero vale la pena recalcarlos porque son situaciones y experiancias reales que a muchos nos han pasado. Como comunicadores visuales debemos, en todos los casos, tener en cuenta eso. Que muchas veces "menos es más" no se aplica a estos ejemplos y a otros tantos, sino que tendremos que tener la real capacidad para señalizar la salida o para acomodar los productos como debe ser.

Windows 8 - La marca



El Windows 8 ya es una realidad, los desarrolladores de este nuevo producto de Microsoft dicen que va a ser un nuevo giro de tuerca a la pc, eso habian dicho con Windows Vista que lamentablemente era un desastre como Sistema Operativo (y que luego fue modificado con Windows 7), espero que no sea un fracaso como Windows Vista.

Pero dejando el lago de la programación, nos enfocamos a la imagen de Windows, se vuelve un poco más Estilo Tipográfico Internacional, a eso fue lo que apuntaron los creadores de este nuevo isologo, los grandes de Pentagram, si fueron ellos a quien acudieron los de Microsoft para que les diseñe una nueva marca. Y con esto nos presenta, un aire a lo minimalista y mucho cyan; las "ondas" de la ventana se eliminaron como así también los colores verde, rojo, amarillo y dejando sólo el azul.

Si somos demasiados generosos, el Windows 1.0 presentado en 1985 tiene algo de similitud, no en cuanto al logo, por supuesto que son familias totalmente diferentes; pero si por ejemplo ante la composición de la marca y el iso. Un iso ubicado por delante del logo (a manera de locomotora) en color azul plano , de manera rectas, perdonando las puntas, pero sin presentar perspectiva.
Los "brillitos, las gradaciones y las sombras" demasiados manoseados en esta era digital para crear marcas tecnológicas, fueron eliminados en este caso.

Supongo que las características del diseño más limpio que los anteriores, deben de ser comparadas con el nuevo estilo del sistema operativo, o sea me refiero a que no tenga tantos "chiches" y ser mas directo y concreto con el usuario.

Una nueva imagen para un nuevo aire en sistema operativo. ¿Será verdad? Eso lo veremos con el correr del tiempo, cuando los guru del tema den el pulgar hacia arriba o hacia abajo sobre el Windows 8.

Esos malditos manuales de instrucciones


Muchos hemos comprado varios artículos electrodomésticos, pero pocos hemos visto manuales de instrucciones funcionales. Ni los aparatos eléctricos más costosos traen un manual de uso que valga la pena ver y leer. No más, cuando compramos un nuevo "chiche" a lo que primero recurrimos es a ese papel en forma de librito impreso en blanco y negro que muchas veces sólo viene en idioma ingles (como si el único idioma existiera en todo el mundo) que trae unas letras tan pequeñas que ni la lupa más grande que hay en casa puede decodificar lo que dice; pero peor aún, todo lo que dice no sirve para nada... perdón, perdón sirve... para muy poco.


La cuestión es que las empresas le dan poca importancia al usuario en estos casos, es evidente que los gráficos que trae sirven para muy poco y hasta a veces confunde demasiado.
Traigo este tema, porque últimamente he adquirido varios productos que se necesitaba de aprender como funcionaba y la información que trae, es escasa o confusa y tuve que recurrir muchas veces a Internet, ya que alguien siempre solidario sube alguna información sobre dicha duda que he tenido.

Mi punto vista, es que este tema debe de preocuparnos, por lo menos a los diseñadores gráficos. Somos comunicadores visuales y si la información no llega como debe de llegar o no se entiende en su totalidad, se está fallando en algo, en el diseño. No me molesta que los manuales vengan en blanco y negro, aunque a veces sea necesario que esté impreso a color, para una mayor recepción, compresión y por qué no, mejor estética... que dé gusto leer ese manual y saber todas las funciones del control remoto sin haberle puesto las pilas todavía. Porque ese es el objetivo de un manual de instrucciones, no? pues entonces si no fuese ese, no deberían de existir y le daríamos una mano a las empresas y al medio ambiente, matar dos pájaros de un tiro en este caso no estaría nada mal. Y otra mano a los usuarios, para dejar de fastidiarlos, porque la mayoría de las veces ese manual termina en el tacho de basura.
Comprendo también que en la mayoría de los casos, el aprendizaje del buen uso se da con el transcurso del tiempo, utilizándolo repetidas veces.

En cuanto a diseño editorial, lo manuales dejan mucho que desear, por no decir que no tienen diseño. Las infografías que pocos manuales tienen, son tan engorrosas que dan lastima. Yo me pregunto a veces, estas empresas que tienen todo el dinero y la posibilidad de ofrecer un producto de 10 puntos, están dejando de lado un punto no menos importante. Decir que un manual de uso no tiene importancia, es decir que "no importas tú como aprendes a encenderlo" o más sintético "no me importas un carajo".

En nombre de todos los usuarios les damos las gracias a aquellos diseñadores que ponen todo su esfuerzo por diseñar un buen manual de instrucciones. Porque los hay, de seguro.

Animación - parte I

Esto es un pedido de una lectora, espero que sirva para tanto la persona que va dedicada y para otras personas que lean esta publicación, ya que es un artículo bastante extenso y completo.

Cuando puse animación, como la mayoría de las veces, sale en la primera página el artículo de Wikipedia que en general son bastante completos; pero en este caso el artículo deja mucho que desear (por lo menos en el idioma español). De esta manera con este articulo lo qie quiero llegar a lograr es un complemento de la escasa información que aparece en Wikipedia y que sirva para todas las personas que busquen sobre dicho tema.

Debido a que es extenso, decidí hacerlo en partes para una mejor lectura y orden.

Comencemos:

Como todos sabemos la animación nace con el Cine, el séptimo arte, allá por los años 1895 con los hermanos Lumiers, que básicamente montaban una cámara y filmaban situaciones cotidianas como la salida de trabajadores en una fábrica, la llegada de un tren y entre otras cosas. En 1902 George Mélliès le da un nuevo giro al cine produciendo animaciones con historias ficticias, desarrollando así nuevas técnicas cinematográficas como en “Viaje a la Luna” (1902) y “Viaje a lo imposible” dos años más tarde.

No hay que olvidar que el nacimiento del Cine se da gracias al Zoopraxiscopio creado por Eadward Muybridge en 1879, en que se reproducían una serie de imágenes sucesivas, pero que no podía emitir sonido, básicamente la técnica del Stop Motion. La animación recordada y vista por muchos, es la serie de fotos del caballo galopando.

Tipos de Animación:

Como en los textos, que se diferencian las novelas, de los cuentos o microrrelatos; en la animación también existe esta diferenciación de duración para tener un orden, de esta manera se clasifican en 3

Cortometraje: Hasta 30 minutos de duración. En este mismo blog he publicado una buena animación que dura sólo 5 segundos, así da evidencia que los cortometrajes pueden ser extremadamente cortos y a la vez creativos.

Mediometraje: entre 30 y 60 minutos. Aquí es donde llega la confusión muchas veces de que no es ni muy corto para ser un cortometraje ni muy largo para ser un largometraje. En este caso se pueden dar ejemplos de las series de televisión, que tomando en cuenta un capitulo, dura menos de 60 minutos.

Largometraje: cuando se excede de 60 minutos de duración la animación. No hace falta dar ejemplos, cualquier película vista es un largometraje.

¿Qué es un cuenta hilo?


El Cuenta hilo es un elemento de medición muy utilizado en gráfica, tanto por imprenteros como diseñadores o fotógrafos. Este instrumento se utiliza para ver los "hilos" o mejor dicho los trazos impresos de colores en un papel o cualquier otro soporte impreso, como tela, vinilos, etc. De esta manera se pueden ver por ejemplo el tipo de impresión utilizada, la calidad y por ejemplo si las tipografías están "explotadas" o no.

Generalmente el cuenta hilo se ultiliza luego de una prueba de impresión, así se verifican los colores que se imprimen y si están en su correcta posición, mejor dicho si están en registro. Una vez que se está conforme luego de la minuciosa observación de la prueba, se da el "ok" al imprentero para que comience a imprimir la tirada completa de 1.000 2.000 5.000 o la cantidad que sea de copias.

Es como tener una lupa con una regla para medir en una escala métrico decimal o en pulgadas, según sea el caso. La lupa que posee generalmente es de x10 para tener un máximo de detalle a poca distancia, esto da la facilidad de encontrar fácilmente los errores que puede llegar a tener una pieza gráfica.

Única estética en diseñadores: ¿bien o mal?


Siempre me pregunto hasta qué punto se puede considerar un buen diseñador si lo único que puede llegar a lograr es una sola estética, variando algunos brillos, colores, y pequeñas formas.
En la web se encuentran infinidad de estéticas muy similares, y también se ven diseñadores que se adaptan a una propia.

Esto me parece curioso, porque por un lado la empresa que quiere contratar a "ese diseñador con tal estética" va a saber el trabajo final que va a presentar o va a tener un pequeño conocimiento de algunos rasgos, de esta manera la empresa se "asegura" en el trabajo; pero entonces, la empresa "H" y la empresa "Z" que desarrollan diferentes actividades, van a tener una estética similar.
Pienso que un diseñador es en cierta manera un artista, digo "en cierta manera" porque en casos como el ejemplo anterior, se puede diferenciar un diseñador y de un artista claramente, donde el artista adopta unos determinados rasgos en sus proyectos, ya sea por sus formas, por colores o por otra clase de cosas que nos ayudan, nos induce a reconocerlo; dando un ejemplo bastante claro, y la vez arbitrario, podemos diferenciar un Picasso de un Da Vinci. Sé que este ejemplo son contrastes muy claros, pero llegando a un punto un poco más fino, se puede diferenciar un Da Vinci de un Miguel Angel, claro está que en este ejemplo sólo algunos lo pueden hacer, pero ese no es el punto de esta publicación.

Volviendo al diseñador, este se diferencia del arstita por la neutralidad en cada caso, adoptando la estética que se requiere en cada trabajo, que solicite el trabajo mejor dicho.

Volviendo al primer punto, que en la web se encuentran infinidad de estéticas muy parecidas; este punto también es muy discutible, lo digo porque es como si se viera una copia de los trabajos, pero seamos sinceros, es una moda que muchos la consideran como válida para tales casos y por ende se llega a puntos de encuentros entre diferentes trabajos. Pero eso si, un diseñador no debe nunca llegar a lograr todos sus diseños como la "moda lo pide"; los diseñadores deben diferenciarse de los demás y esto siempre hay que tenerlo en cuenta porque de lo contrario se llegaría a un diseñador subjetivo y no un diseñador neutral. Por ende, si un profesional sólo puede lograr trabajos que se acoplan a la moda, yo me atrevo a decir que no está en lo correcto.

Queda a total derecho del lector su postura de que si, adoptar una estética determinada puede llegar a estar bien o no. De todas maneras, el punto de partida que hay que tener en cuenta siempre, es que un diseñador debe ser objetivo y con esto podemos empezar a discutir las diferentes posturas.
Pero al fin y al cabo, todo sigue igual, la empresa "H" y la empresa "Z" seguirán contratando al diseñador "X" para que diseñe sus trabajos.

¿Qué fuente adquirir?



Para muchos, la compra de fuentes es algo "rutinario", lo digo entre comillas porque no es que lo hagan todos los días, pero es que ya están acostumbrado a hacerlo y saben bien cómo. Pero para otros adquirir una fuente puede ser algo que cueste mucho elegir y si uno anda ajustado de dinero y tiene entre tres o cuatro fuentes en mira, se hace un poco más complicada la cosa.

Esto es un pequeño punteo que hago que puede valer tanto para la compra de nuevas fuentes como para las descargas gratis. Cargar de fuentes una PC puede llegar al punto de hacer mas lento todo el sistema e incluso los programas de diseño; sé que hay software que se dedican exclusivamente a la administración de fuentes, pero de todas maneras tener una inmensa cantidad de fuentes tipográficas se haría algo tan fastidioso a la hora de optar por una que no me quiero imaginar. Con este texto también trato de aconsejar y tener unos puntos relativamente importantes antes de optar por una fuente.

En primer lugar, lo que tenemos que tener en cuenta es que es lo que queremos comunicar con dicha tipografía. No todas las fuentes tipográficas comunican lo mismo, eso es claro. Para ello tendremos que prestar suma atención cuales son las fuentes que comunican lo que queremos reflejar en nuestro diseño.

Segundo, donde va a estar implementada esa fuente tipográfica, en que contexto. No es lo mismo una fuente para web que una fuente para textos largos en un libro o una fuente que es factible para títulos, son tres ejemplos bien diferentes y que debemos tener en cuenta también.

Tercero, prestar atención en la cantidad de signos tipográficos que posee dicha fuente, no vaya a ser cosa que por ejemplo no este la "ñ" o como pasa bastante seguido, las tildes; a veces también pasa que una determinada fuente no posee las mayúsculas o viceversa.

Cuarto, fundamental, si está bien diseñada. Ejemplos opuestos la comics sans y la helvética, podemos ver que claramente que esta ultima tiene un diseño tan racional que asombra, en cambio con la comics sans no podemos decir lo mismo.

Quinto, esto es algo que pocas veces he visto en fuentes gratuitas; que es la posibilidad de brindar de variantes como, pesos, puntos, cursivas, versalitas, ligaduras, etc. Esta deficiencia pasa ya que las fuentes gratuitas son diseñadas para tal fin, es obvio, de esta manera se brinda mucho menos signos tipográficos que los pagos.

Sexto, muchas veces los diseñadores exponen una muestra de la fuente, con esto podemos ver un intento de lo que el creador aconseja a utilizarla, y como se vería. De esta manera podremos apreciar para que fines fue creada y para cuales "encaja" bien.

Creo que estos seis puntos son fundamentales para tener en cuenta a la hora de optar por una fuente determinada. Hay que prestar suma atención y no tener tipografías por tener.

Todo depende de los software




Hace rato que quería publicar algo sobre esto, pero no me animaba como encarar el tema, hoy tampoco lo se, pero como el 70% de mis publicaciones son espontáneas y sin un boceto previo, esta va a ser una más que suma al promedio.

Parece ser que para ser un diseñador gráfico depende de las capacidades netamente de Photshop, Ilustrator, Corel Draw, etc y cuanto más programas sepas mejor. Esto es algo que lamentablemente los diseñadores debemos someternos, pero que un diseñador no debería pasar por el conocimiento exclusivo de estas cosas. El punto es que un diseñador debe enfocar sus conocimientos en la investigación, proyecto, idea, toma de partida, el trabajo final entre otras cosas mucho más importantes que foman al diseñador en si, contribuyendo a que este sea lo mas efectivo para cada problema. Pero para llegar a esto, inevitablemente se debe tener un manejo moderado (sin decir avanzado) de los programas que mencione antes.

Muchas veces en las empresas que desean tomar personal, ponen como pretensión tener un manejo de determinados softwares, pero dejan de lado lo intelectual del diseñador lo que se tendría que considerar como lo mas importante, lo primordial, lo fundamental. Cuanto más software sabe un diseñador mejor, es lo que se está viendo últimanente y a mi un poco me preocupa.


Si nos ponemos a analizar un poco más profundo, podemos decir que en la web está lleno de sitios que ofrecen tutoriales, herramientas, plugins, recursos, entre otras cosas que ayudan a una persona exprimir al máximo un determinado programa. Esto no está mal, pero a lo que voy es que si estas paginas las comparamos con sitios con materiales didácticos de diseño, vemos que estas ultimas paginas que se dedican a eso, son muy pocas. Se hace muy complicado a veces encontrar material sobre determinados temas que se vinculan a la teoría del diseño. Con este pequeño ejemplo vemos que hoy lo más importante es lo visual y no a la teoría, lo que está detrás del diseño, lo que hace que se sostenga como pieza comunicacional.


Parece ser que los diseñadores tendremos que estar atados y pendientes de las últimas actualizaciones que existan de los softwares, y esto me molesta mucho, porque un diseñador no se define por eso, sino por conocimientos más importantes que el simple manejo de un "nodo" o de un "pincel - brush" o un "filtro".


El uso del boceto, del lápiz como herramienta primordial para "encarar" un trabajo y lanzar las primeras lineas para llegar paso a paso a una presentación final se han olvidado; el diseño que vemos comienza por sentarse delante de una simple pc y comenzar con el trabajo. Y con un conocimiento básico de los programas ya podemos decir que son diseñadores aunque no tengan un titulo, no tengan los conocimientos minimos de lo que es el color, las composiciones, lo que es una investigación sobre el tema, una lluvia de idea, una toma de partida...


En conclusión hoy en día parece ser, que importa más la herramienta que el conocimiento.

Erotismo en la publicidad



El erotismo en la publicidad siempre ha tenido su lugar, desde el Art Nouveau hasta hoy en día no ha dejado de aparecer en publicidades que hasta a veces nos sorprendemos de la forma en que tratan de "encajar" en un producto o servicio.
No importa si la publicidad está dirigida a mujeres o a hombres (que en este caso me quedan muchas dudas para quien va dirigido), lo importante para ellos es atraer al receptor a cualquier punto sin importar que las marcas pueden llegar a comunicar sentimientos que puede llegar a estar mucho mas cerca del target al que desea; pero eso si, hacerlo de esta forma es a largo plazo; así recurrir al erotismo es una estrategia a corto plazo pero sin mucho ruido que puede estar presente en el consumidor por un tiempo relativamente corto, pero que no perdura por siempre como ir más allá con un mensaje que le llegue más a los sentimientos del consumidor, Coca Cola es un buen ejemplo de esta clase de estrategia, mientras que, bueno, Alto Palermo... se darán cuenta cual es la suya. Cada marca tomará el camino que más le convenga.

Ver la marca sin ser mostrada


Hoy por la tarde vi un partido de la UEFA Champions Lague, fue el partido que disputaron Arsenal, de Inglaterra y el Barcelona de España, en el que ganó Arsenal por 2 a 1.
Pero lo que me llamo la atención fue el auspiciante de dicho torneo que es un tal "Disfruta Responsablemente" como buen amante del fútbol tanto local como internacional me di cuenta de manera muy fácil de quien está detrás y quien es el verdadero patrocinador.

Por su tipografía y el color de fondo en esa placa "publicitaria" de unos pocos segundos, que sólo aparece la frase "Disfruta responsablemente", pude deducir que es la empresa cervecera holandesa Heineken. La placa de la que estoy hablando es con un tipografía que utiliza la marca normalmente para sus anuncios, y el fondo es de color verde, es el mismo color y tonalidad que, por supuesto, también usa.

A lo que voy con esta historia, es que no se con certeza si han tenido algún problema que esta edición de la Copa 2011 no permiten tener sponsors como tabacaleras o cerveceras o empresas similares que perjudican la salud del propio consumidor. Eso supongo yo, ya que de lo contrario no estaría pasando lo que está ocurriendo con todo esto.

La buena estrategia de la marca hace que veamos Heineken sin que esta este presente, ya que los consumidores de fútbol están acostumbrados a ver esa marca como auspiciante de esta copa y es fácil decodificar el mensaje que está detrás. Hay una publicidad también que aparece en el entre tiempo de cada partido televisado, que es exactamente el mismo mecanismo, hay cuatro o cinco muchachos festejando como si fuese un gol y en la mano de uno de ellos tiene una caja de piza. Como sabemos la piza es una fiel compañera de la cerveza, pero ahí está el punto; en el audiovisual no aparece pero nosotros mismos nos damos cuenta de ese hecho y por la estética de esa publicidad sabemos que estamos hablando de Heineken.

Durante el partido también observe que aparece en los carteles de la cancha la cerveza Heineken con el slogan "enjoy responsibly", y deduje que esta publicidad no tendría problemas alguno, ya que el anuncio es comprado al club local y no depende de los organizadores de la UEFA.

En cualquier caso, si mi teoría de que no puede ser sponsor oficial es certera o no; la propuesta montada por la marca cervecera es muy buena y no deja de verse Heineken aunque no esté.

Medidas de los papeles



El otro día se tocó el tema de los colores Pantone, un tema muy importante a tener en cuenta. Bien, otra de las cosas que hay que saber al "pie de la letra" son los formatos del papel.

Muchos de nosotros sabemos lo que es una A4, A3 o un tamaño A0, son uno de los formatos más utilizados en el gran mundo del papel. Pero lo que muchos desconocen o no recuerdan de donde vienen y por qué tienen esa medida tan particular.

Los formatos de papeles en la mayoría de los países se rigen por la norma DIN (Instituto Alemán de Normalización) editada en 1922 y creada por el ingeniero alemán Walter Porstmann; esta norma hace que estos formatos sean respetados entre todos los paises que están adheridos, en general son casi todos los países con acepción de Canadá, Colombia, Estados Unidos y algunos más que se rigen con el formato anglosajón en los que se destacan el tamaño oficio, carta, legal y tabloide, este ultimo muy utilizado por los diarios (prensa escrita).

Este tipo de formatos (DIN) es muy importante tenerlos en cuenta ya que a la hora de plasmar nuestros diseños debemos saber en que soporte se va a reproducir y esto comunicarlo al imprentero, que como estos formatos son universales el dialogo entre impresor y diseñador están "en la misma sintonía" por así decirlo. Así se agilizan más las cosas y se ahorran muchos dolores de cabeza, tanto de un lado como del otro.

También, hay que aclarar que esta norma DIN ha sido la base de su equivalente internacional ISO 216 (Organización Internacional para la Estandarización) que, a su vez, ha sido adoptada por la mayoría de los países.

El formato de referencia de la serie A es el A0, cuya superficie mide 1 m2. En la imagen se ve claramente la lógica de cada medida, ya que por ejemplo una A1 equivale al doble de una A2. En consecuencia cada formato es la mitad del lado mayor del formato inmediatamente superior. Los formatos de la serie B son siempre mayores que los de la serie A y los de la serie C se encuentran entre estos.

Con respecto a las medidas anglosajona (medidas en mm):
Carta: 279 × 216
Legal: 356 × 216
Tabloide: 432 × 279
Oficio: 340 × 220

Pantone



Para los que todavía no tienen noción de que es Pantone, esto es un pequeño texto que les va a servir. Para aquellos que ya saben lo que es Pantone, no les viene nada mal hecharle un ojo de nuevo o refrescar los conocimientos.

Pantone es un sistema que se basa en una paleta o gama de colores (llamadas Guías Pantone) muy empleado en la producción de pinturas de color por mezcla de tintes. Este sistema está conformado por una guia (exclusiva de la marca) donde cada color está nombrado por un determinado número; de manera que es posible reproducir de forma exacta el color de la muestra previamente seleccionada.

Por qué utilizar la guia de colores Pantone y no por ejemplo CMYK (cian, magente, amarillo y negro) u otro sistema; esa pregunta es fácil de responder, en primer lugar porque las pantallas que utilizamos se basan en el sistema RGB (rojo, verde y azul) y las impresoras láser, chorro de tinta, offset o cualquiera otra la convinación de colores está basada con el sistema CYMK.
El RGB utiliza la suma de los tres colores para crear el blanco, en cambio el CMYK para crear el blanco es la ausencia del color, y así con otras convinaciones.

En segundo lugar, cada pantalla y monitor es diferente; no es lo mismo ver los colores en un monitor de CRT (tubo de rayos catódicos) que en LCD (pantalla de cristal liquido) y tampoco es lo mismo una marca a otra y un modelo a otro; y aunque fuesen el mismo modelo y la misma marca estoy seguro que habría un pequeña variación (imperceptible para ojo humano, pero no para las imprentas) ya que pueden estar calibrados de diferente manera.

En tercer lugar, pasaría lo mismo con las imprentas, no todas son iguales y no todos imprenteros calibradan de la misma forma una imprenta, por cuestiones presupuestarias o por el simple desgaste de la imprenta.

Por todo esto, los colores Pantone identifica a cada color por un código para impedir que surgan errores a la hora de la impresión. Esto facilita mucho tanto al imprentero como al diseñador para que no haya problemas luego de 5.000 tarjetas personales que salieron con el color no deseado, por ejemplo. Las empresas encargadas en la impresión, generalmente tienen lo que se le llama el muestrario de colores Pantone, esto da la posibilidad de visualizar de manera exacta el color que se estipula previamente.

Pantone Inc. es una empresa con sede en Carlstadt, Nueva Jersey (Estados Unidos) fundada en 1962 por Lawrence Herbert. Al comienzo, Pantone era un pequeño negocio que comerciaba tarjetas de colores para compañías de cosméticos. En 1963 Pantone desarrollo el sistema de emparejamiento cromático, de esta forma tanto el sistema como la empresa adquirió un reconocimiento global utilizado principalmente en la industria del diseño y la impresión. Pantone Inc. también ha desarrollado tintas que reproducen el dorado, el plateado, entre otros colores imposibles de ser reproducidos con el sistema CMYK.

Aquí pueden ver algunos colores con el codigo Pantone y su variación en RGB

Spot publicitario Arnet vs Speedy





Estos dos spot publicitarios salieron al aire casi juntos, creo que primero salio el spot de Arnet y luego el de Speedy; el servicio que ofrecen cada uno son muy similares hacen una promoción de Internet brindando como regalo algo más.
Veamos la diferencia entre las dos publicidades y que potencial de convencimiento o atracción tiene cada una.

Primero vayamos a lo general, la música y la composición en general.
La música en Arnet sin duda tiene mucha mas fuerza interpretando el tema "It's My Life" con un coro de mujeres de fondo que canta el tema; la voz en off es una voz bien gruesa dándole estilo a la publicidad de fortaleza. En cambio Speedy, lo hace de una manera mas pasiva con una música de fondo instrumental de piano y un violín; creo que la música es una re-interpretación de un tema clásico o me da la sensacion de eso; para el publico que apunta, es aburridisima.

En cuanto a los colores también existe una gran diferencia, Arnet utiliza colores cálidos y en general el rojo (los colores cálidos acercan mas al receptor) y la tipografía que utiliza es extra bold, con serif, en minúscula y en blanco. El spot de Speedy otra vez, en mi opion, vuelve a perder, utliza una composición en blanco y negro y las personas que aparecen en la publicidad no son bien aprovechados, ya que no me dicen nada, solo me cuentan unas historias que no me dan gracia en absoluto, y la tipografía que utiliza es una sans serif, en cian; que es el único color que aparece en todo el spot (sin contar el cierre de la publicidad).

Ahora bien, Arnet ofrece los servicios que están promocionando durante todo el transcurso de la publicidad, haciéndolo con el estilo particular de Arnet, tocando lo irreal y lo cómico. En cambio Speedy solo lo hace en el cierre de la publicidad, mientras que en todo el transcurso de la misma solo habla de cosas insólitas del 2.0 y que no le causa gracia a nadie.

Por ultimo quiero decir que la publicidad de Arnet la podria ver 20 veces seguidas sin cansarme ni aburrirme, y creo que la publicidad de Speedy me duermo sin terminar de ver la 3ra.

Viudas y Huérfanas


La relación que existe entre la tipografía con las personas es muy evidente, no por nada el "ojo" "brazo" "cola" "oreja" son nombres para definir partes de un tipo. Las viudas y las huérfanas, no se quedan atrás, pero en este caso tiene más que ver con la composición tipográfica (el texto en sí). Muchas veces son bien confundidas ya que tienen una gran similitud entre una y otras, en esta publicación dejaremos bien clara la diferencia para que no haya errores y hablar con propiedad a la hora de mencionarlas. Tengamos en cuenta que un diseñador debe usar el léxico técnico apropiado, sino cualquier elemento visual lo llamaríamos a nuestro antojo y esto no tiene que suceder.

Una Viuda es la ultima linea de un párrafo que que se encuentra al principio de la columna siguiente.

En caso de las Huerfanas se pueden dar en dos ocaciones. Se pueda dar cuando una sola palabra queda en la linea final del párrafo. O también se las llama huerfanas en los casos donde la primera linea de un párrafo queda al final de una columna y que continua en la siguiente columna.

Los ejemplos son mucho más claros que las dos definiciones, a mi también me costo entenderlas sólo cuando me lo decían sin ejemplos, por eso cree unos ejemplos claros para que puedan entenderlos rápidamente.

Generalemente hay confusiones entre una y otra. Pero debe quedar bien en claro que estas anomalias no deben pasar por alto a la hora de diseñar un texto ya que no quedan bien estéticamente.

Qué es ser creativo


La Real Academia Española (RAE) expone una definición demasiada corta y poca explicativa, lo define como "Facultad de crear." o "Capacidad de creación." demasiado corto para mi gusto. En cambio Wikipedia se explaya un poco más "La creatividad, denominada también inventiva, pensamiento original, imaginación constructiva, pensamiento divergente o pensamiento creativo, es la generación de nuevas ideas o conceptos, o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales..."

La creatividad es la creación de algo utilizando elementos ya existentes. Como Gutemberg por ejemplo, que invento la imprenta de tipos moviles a partir de una prensa utilizada para exprimir el jugo del racimo de uva en la elaboración del vino. O como Picasso, crear una vanguardia como el Cubismo. O un simple pintor pintando un lienzo blanco.

La creatividad no sólo se da en hechos grandes, como la creación de una vanguardia o una imprenta; también se da en las cosas sencillas como ahora, yo escribiendo mi pensamiento y plasmandolo para ser leido. O la cocinera creando una nueva receta con los alimentos que tiene en su heladera. La creatividad se da en todos lados y a cualquier momento, nosotros mismos somos creativos y no nos damos cuenta.

Pero está claro que cuando uno dice que es diseñador o artista, te dicen "ah, sos un creativo" uno se sonríe y evitablemente tiene que decir "si" y finaliza la conversación ahí, pero esa persona no sabe que también es creativa, pero a otra escala, a otro nivel, ni mas ni menos que un diseñador o un artista, sólo son diferentes formas de creatividad, nada más.

Ser Creativos nos facilita resolver los problemas a los que nos enfrentamos cotidianamente en el ámbito del diseño, nos permite crear nuevas posibilidades y oportunidades, abrir nuevos caminos, establecer y generar nuevas ideas para soluciones eficientes; ser creativos tiene que ver mucho con el diseño y si no lo somos en cada proyecto que se nos presenta, estaremos en problemas.

Cada proyecto es un problema diferente y único, el diseñador deberá resolverlo de la mejor forma optando por el camino mas eficiente. Para ser creativos no existe una técnica ni un método, porque ser creativos es justamente eso, romper la estructura y no atarnos a una técnica sino hecharle una nueva mirada al problema para encontrar una nueva solución. Ser creativo en el ámbito del diseño, también implica un grado de riesgo ya que si la solución no es totalmente buena todo el camino recorrido fue una perdida de tiempo y se tendrá que analizar nuevamente el proyecto para así llegar a la solución correcta.

Armin Hofmann



Diseñador gráfico suizo, que comenzó a enseñar en 1920 en la Escuela de Artes y Oficios de Basilea de diseño gráfico. Fue reconocido por sus carteles, que hacían énfasis en la economía en el uso del color y la tipografía, en contra de lo que denominó "la trivialización del color". Éstos han sido exhibidos ampliamente como obras de arte en importantes galeriías como el Museo de Arte de Nueva York.

En 1965, escribió su célebre Manual de Diseño Gráfico, obra de lectura obligada en muchas escuelas de diseño del mundo.

Hofmann tuvo un profundo sentido de los valores estéticos que lo facultaron para sondear profundamente la esencia de la forma y aplicar este entendimiento tanto a la enseñanza como al diseño. Desplegó a su vez, una filosofía basada en la búsqueda de un lenguaje de forma gráfica para sustituir las ideas listradas.

Hofman trabajo en diferentes áreas incluyendo diseño de carteles, de publicidad y de logotipos, todas ellas con grandes incorporaciones innovadores.

Herbert Matter



Diseño Suizo o Estilo Tipográfico Internacional (parte 2)

La función de la fotografía como una herramienta de la comunicación gráfica fue desarrollada por el diseñador y fotógrafo suizo Herbert Matter; tengamos en cuenta que hasta ese momento la fotografía sólo era usada como medio de expresión artístico, no como un mensaje enfocado a un receptor con un fin especifico como en el diseño gráfico.
Herbert Matter comprendió perfectamente los nuevos enfoques y técnicas visuales del movimiento moderno tales como el collage y el montaje. En sus carteles de 1930 usó el montaje, los cambios dinámicos de escala y una integración efectiva de la tipografía y la ilustración. Sus imágenes fotográficas se convierten en símbolos de esa epoca.

Fue el pionero de los contrastes extremos de escala y de la integración de la fotografía en blanco y negro, de los pequeños anuncios y de las áreas de color. Su trabajo innovador y experimental del diseñador ayudó a dar forma al vocabulario del diseño gráfico del siglo XX.

Herbert Matter estudió pintura en la École des Beaux-Arts de Ginebra y en la Académie Moderne en Paris con Fernand Léger y Amédée Ozenfant. Su encuentro con el trabajo, filosofía y métodos de trabajo de Léger contribuyó a decidir su evolución artística. Con el tiempo Matter fue desplazándose de la pintura a la fotografía y el diseño gráfico, los criterios que había aprendido a aplicar en la pintura habrían de conservar su validez a lo largo de su vida futura.

Fue influenciado por la internacionalizacion del arte en los años 20, así como la Bauhaus, que fue absorbida por todas las formas de expresion grafica. Trabajo con Cassandre, en los carteles, con Le Corbusier en la arquitectura.

Comprendió perfectamente la organización y las técnicas visuales del movimiento moderno como el collage y el montaje, de esta forma aplicó lo conocimientos a la fotografía y el diseño gráfico. Realizó una nueva tipografía de comunicación. Utilizo montajes y cambios dinámicos de escala, convirtiendo la fotografía en símbolos pictográficos tomados del ambiente natural, y relacionados en forma inesperada, con contrastes extremos de la escala y de la integración de foto en blanco y negro y áreas de color. Fue pionero en las tecnicas del fotomontaje.

En 1932 regresó a Zurich, donde diseño los carteles para la Oficina Nacional de Turismo y complejos turísticos de Suiza. Los carteles de viajes ganaron la aclamación internacional inmediata por su uso pionero del fotomontaje combinado con la tipografía.
Se fue a los Estados Unidos en 1936 y fue contratado por el legendario director de arte Alexey Brodovitch.

En Nueva York ayudó a diseñar los pabellones suizos y Corning Glass en la Feria Mundial de 1939. Su fotografia fue pronto objeto de una exposición individual en la Galeria Pierre Matisse, y fue incluida en exposiciones en el Art Insittue de Chicago y el Museo de Arte de Los Ángeles.

De 1946 a 1966 fue consultor de diseño con Knoll Associates. Trabajo en estrecha colaboración con Charles y Ray Eames. De 1952 a 1976 fue profesor de fotografía en la Universidad de Yale y de 1958 a 168 se desempeñó como consultor de diseño para la Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y el Museo de Bellas Artes de Houston.

Fue elegido miembro de la New york Art Director´s Club Salón de la Fama en 1977, recibió la beca Guggenheim en la fotografía en 1980 y la medalla de AIGA, en 1983. Herbert Matter murió el 8 de mayo de 1984 en Southampton, Nueva York.

Diseño Suizo o Estilo Tipográfico Internacional (parte 2)


Diseño Suizo o Estilo Tipográfico Internacional (parte 1)

Los trabajos de Hofmann se caracterizaban por la acentuación del contraste entre los elementos del diseño. A su vez Müller Brockmann dictaba normas más estrictas en la composicion del diseño que entendía como algo inminentemente funcional, separación de lineas de texto compactas, letras sin remate, espacio entre palabras uniforme eran algunos de sus postulados caracterizándose sus trabajos por la exploración del ritmo y del tiempo de las formas visuales. El nuevo estilo pronto llego a ser la imagen oficial de muchas instituciones del país que lo usaban para posters y vehículos de publicidad y si bien al principio este tenia un marcado carácter localista pronto se extendió universalmente tanto por los propios desplazamientos de los diseñadores por toda Eurpoa y por Estados Unidos; como difusión del estilo internacional se hizo la revista "Neue Grafik" fundada en 1959.

Otro factor que construyó a la rápida extensión del estilo fue el incremento y la globalización de los mercados y el auge de las comunicaciones hacen que las corporaciones internaciones tengan la necesidad de una indentificación global, indentidad que es construida de acuerdo a los principios del estilo tipográfico internacional. La creciente demanda de tipografías sans-serif (que fueron las elegidas para las composiciones del diseño suizo, por diversos factores pero sobre todo por la influencia de la Bauhaus), posibilitó la aparición de dos tipos sans de gran calado y enorme influencia: la Helvética y la Univers. A partir de la popularidad que en los diseñadores del estilo suizo tenia el tipo Akzidenz Grotesk, creado por Berthold en 1896, Edouard Hoffman de la fundición Hass encargó a Max Miedinger que lo refinara para ampliar la versiones disponibles.

Así apareció la Neue Hass Grotesk, que mas tarde pasó a denominarse Helvética al venderla a Stempel (1957) y después a Linotuype. Hay que destacar que la génesis de este tipo corresponde a una gran demanda existente, así se consolidó rápidamente para trabajos publicidatarios e incluso en composiciones de texto. En lo que se refiere a Univers no nace tanto en respuesta a una demanda como de una búsqueda personal de un alfabeto funcionalista. Univers fue diseñada por Adrian Frutiger y fue presentada en una gran gama de 21 variantes cuya nomenclatura supuso una revolución en la descripción de tipos, por Deverny & Peignot en 1954.

Diseño Suizo o Estilo Tipográfico Internacional (parte 1)


Lo que voy a publicar ahora, es una serie de varios posteos relacionados con el Diseño Suizo, hoy comienza y seguirá por varias publicaciones, quizás tres o cuatro más, no lo se. Esto es muy importante en el Diseño Gráfico, y en el Diseño en general ya que el Diseño Suizo hizo muchos aportes considerados muy relevantes. Así empezamos:

Tras el paréntesis que significó la II Guerra Mundial, un nuevo estilo de diseño gráfico emerge en Suiza en los años 50 y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma tipográfica siguen estando en base de las enseñanzas que se imparten en la escuelas de diseño. Este movimiento es conocido como "Estilo Tipográfico Internacional" o más a menudo llamado "Diseño Suizo".

El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y especialmente de la "tipografía elemental" y tiene en cuenta a su vez la necesidad creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo medio, la fotografía. Este estilo se sustentaba sobre tres pilares básicos:

- El uso de una rejilla modular (o reticula) que dotaba al diseño de coherencia y estructura interna.
- El empleo de tipografías sans-serif y deposición asimétrica de los distintos elementos del diseño.
- Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones.

La impresión general era simple y racional con una estructura clara y concisa. El estilo tuvo como centro de eclosión dos escuelas de diseño Suizo, una en Basilea liderada por Armin Hofmann y Emil Ruder y otra en Zurich a cargo de Joseph Mûller Brockmann. Ambos habían estudiado con Ernst Keller en la Zurich School of Design donde enseñaban los principios de la Bauhaus y de la nueva tipografía de Jan Tschichold. Emil Ruder fomentaba en sus alumnos la utilización y el aprecio del espacio en blanco como parte integrante del diseño así como la limitación en el uso de diferentes tipografías.

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